Brève entrevue : Robert Normandeau parle de sa composition « Tunnel Azur »

« Quels sont, selon vous, les défis que pose l’écriture d’une œuvre électroacoustique destinée à un public habitué aux concerts symphoniques? »   

Robert Normandeau : Je ne sais pas!

Je ne vais plus très souvent aux concerts symphoniques, alors il m’est difficile de savoir à quoi ce public ressemble ni ce à quoi il s’attend. Je pense que malheureusement il s’est fait une sorte de clivage entre les publics de la musique depuis la fin de la Seconde Guerre mondiale, où on a sorti des maisons symphoniques la musique qui se compose aujourd’hui, pour la confiner dans des temples de musique contemporaine, fuis par le grand public. Or on sait qu’on pourrait relire les critiques du temps des romantiques, par exemple, et se rendre compte que leur public était aussi effrayé par leur musique que celui d’aujourd’hui.

La nouveauté est dérangeante, car elle livre un message inédit, des sonorités nouvelles, des perspectives originales sur le monde sonore. Et aujourd’hui, nous vivons plus que jamais dans un monde sonore bruiteux, riche et dense. Il est normal que celui-ci se retrouve dans une salle de concert.

Messiaen disait que la seule vraie nouveauté de la musique du XXe siècle est la musique électroacoustique. Elle est très certainement la musique la plus fidèle à son temps. Donc une partie du public se reconnaitra dans ma proposition, une autre probablement pas.

Je ne peux pas en tenir compte dans mon travail de composition.

Je vis au XXIe siècle, comme les gens qui vont s’installer dans la salle le soir du concert. Je leur propose un parcours original, audacieux pour certains peut-être, mais dans lequel je leur propose de se reconnaître. Certains consentiront à l’effort, d’autres pas, chacun est libre de faire cette démarche.

J’ai cependant essayé d’inclure dans cette nouvelle œuvre différents éléments musicaux auxquels le public de l’OSM peut s’identifier: de la musique symphonique, le son du métro, des sons de l’octobasse, le nouvel instrument qui sera dévoilé lors des concerts du mois d’octobre.

« Quelles contraintes viennent avec la commande d’une oeuvre? Comment arrivez-vous à concilier ces contraintes et vos habitudes de création? » 

Robert Normandeau : J’ai mis en place un scénario, une sorte de cinéma pour l’oreille, qui met en scène les différents éléments de la commande et d’autres que j’y ai ajoutés.

La commande était au sujet du métro, de son cinquantième anniversaire. Je l’ai accepté avec plaisir, tant le métro me semble iconique d’une ville moderne, surtout dans un pays avec un climat comme le nôtre. Et bien que je ne sois pas né à Montréal (je suis originaire de Québec), j’ai connu le métro pratiquement depuis ses débuts puisqu’avec mes parents, nous sommes venus au moins une dizaine de fois visiter l’Expo 67 (j’avais 12 ans).Or nous faisions du camping sur la Rive-Sud et pour nous rendre sur le site, nous prenions le métro à Longueuil.

Donc il y a le métro comme acteur principal. Celui des débuts, les rames MR63 et MR73 et les nouvelles rames Azur. Puis il y a les draisines, ces machines motorisées utilisées la nuit par les ouvriers pour faire l’entretien du métro. On n’a pas idée de la vie nocturne souterraine du métro! J’ai eu la chance de vivre cela et de l’enregistrer.

Or bien que le métro de Montréal soit sur pneumatique, et en cela, il est relativement silencieux, les draisines circulent plutôt sur les rails métalliques du métro. Et elles chantent!

Je ne vois pas la commande comme une contrainte, mais plutôt comme une occasion de fabriquer un monde sonore auquel je n’aurais peut-être pas pensé de manière autonome.

J’ai fait cela pendant vingt ans en composant des musiques de scène pour le théâtre par exemple. Ici, il fallait que je fasse écho au fameux trio sonore généré par les anciennes rames au moment de leur départ (dans les rames Azur, c’est le son d’ouverture des portes qui le remplace).

Donc, j’ai intégré ces sons dans ma pièce en accordant tous les autres à ceux-ci, afin d’assurer une intégrité harmonique à l’ensemble. Ces trois notes ne correspondent pas au système tonal actuel, elles ne sont donc pas jouables exactement par l’orchestre par exemple.

Mais dans ma pièce, elles sont exactement à la bonne hauteur. Si je n’avais pas eu cette contrainte, peut-être que je ne serais pas passé par cette étape d’accordage supplémentaire, qui m’a demandé pas mal de temps. Mais aujourd’hui, je suis très content du résultat.

J’ai aussi voulu rendre hommage à Kent Nagano dans cette œuvre, car il m’a donné un de mes meilleurs souvenirs musicaux des vingt dernières années.

J’étais allé entendre la 9e symphonique de Gustav Mahler dirigé par lui avant qu’il ne devienne le directeur artistique de l’OSM. J’avais eu la chance d’avoir une très bonne place et si mon souvenir est exact Maestro Nagano dirigeait l’œuvre de mémoire. Il faut savoir que je suis un admirateur inconditionnel de l’œuvre de Mahler. Or c’était la première fois que je réalisais pleinement que l’orchestrateur exceptionnel qu’était le compositeur avait développé une écriture de l’espace orchestral en développant une écriture de registres et de timbres qui se conjuguent et se déploient à travers la disposition scénique des instruments.

Les timbres se déploient littéralement dans l’espace.

Impossible de percevoir cela au disque.

Ma pièce est structurée autour du premier mouvement de la 9e symphonie dont elle emprunte le parcours énergétique et la matière timbrale en les redéployant sur une durée presque trois fois moindre (le premier mouvement fait presque trente minutes alors que ma pièce n’en fait que dix).

Peut-être que ces moments symphoniques rallieront le public de L’OSM…

Propos recueillis par Paul Bazin